di Alfonso Cuaròn

Un film intriso di crudeltà primitiva neanche troppo lontana dal presente.
uno squarcio in un  vicino futuro dove le speranze vengono mediaticamente rivolte verso il kit di suicidio (eutanasia senza apparente malattia?).
Echi del mondo di Orwell in 1984 si sentono attuali più che mai, ed il regista con il suo raffinato raccontare senza troppi fronzoli, ci immerge in piani sequenza che, senza stacchi apparenti, coinvolgono emotivamente in crescendo drammatici fin dalle prime sequenze.
Usando la tecnica del piano sequenza, la storia scorre senza interruzioni con un vertiginoso susseguirsi di vicende fra bombe che scoppiano, fughe al limite, palesando l’inesorabile destino dei più ad una fine definitiva enanche davanti alla visione di una madonna nera e l’unico neonato che ammutolisce sia i buoni che i cattivi, se mai ci fosse una reale differenza….
La fotografia e la narrazione scorrono con senso televisivo ma non troppo, la musica riporta a periodi psichedelici, e certe immagini, come il maiale volante alla centrale elettrica, è un evidente omaggio ad un controverso disco dei Pink Floyd dove, partendo sempre da Orwell, si parla di pecore, cani e maiali volanti…

"Se non ti fossi curato di ciò che mi succedeva,
E se io non mi fossi curato di te,
Avremmo percorso a zig zag la nostra strada
Attraverso la noia e il dolore
Guardandoci ogni tanto sotto la pioggia,
Chiedendoci quale dei bastardi è da biasimare
E cercando con lo sguardo porci in volo[...]
Lo sai che m’importa ciò che ti accade
E lo sò che tu ti occupi di me
Così non mi sento solo
E non sento il peso della pietra
Ora che ho trovato un posto sicuro
Dove seppelire il mio osso
Ed anche uno scemo sa che un cane ha bisogno di una casa
Un rifugio dai porci in volo"
(Pigs on the Wing parte 1 e 2 – scritto da R. Waters – dall’album Animals, Pink Floyd 1977)

Alfonso Cuaròn alla fine, ma proprio alla fine, dopo i titoli di coda dice la sua:
Shantih Shantih Shantih
(pace pace pace)

(versi ispirati dal film BABEL di Alejandro González Iñárritu)

Sembrerà piuttosto banale ma questo film assomiglia fin troppo a "Qualcuno volò sul nido del cuculo", senza però essere un difetto, anzi.
Wynona Ryder veste molto bene la parte del tormento adolescenziale enfatizzato dalla visione ristretta e superficiale del mondo adulto.
Il luogo dove rimane rinchiusa è un albergo di personalità amplificate e per questo ritenute pazze. Persone che sfondano con i loro sentimenti le barriere della società e per questo devono necessariamente rimettersi in carreggiata.
L’autrice della storia ci prospetta semplicimente una visuale dove il solo punto di vista interno/esterno non definisce ciò che è giusto o sbagliato, ma solo il confine fra l’essere e l’automa.
Il divenire di un’adolescente di fronte alle grandi domande della vita, pone gli adulti in stato di apprensione al punto da non vedere e non voler rispondere alle naturali domande che crescono filtrate dagli occhi della fragile protagonista. Lei combatte in questa sua crescita, combatte fra le amplificazioni emotive delle apparentemente folli compagne di "soggiorno" e il suo percorso fatto di sensibilità ingenua ma profonda, viene segnato dalla stasi e dal desiderio assoluto di concretezza del mondo esterno.

E come nel film di Forman, ci si chiede ancora una volta chi è folle veramente, cosa che ci chiediamo intimamente probabilmente ogni istante di questo mondo e di come ci stiamo: se lo abbiamo fatto noi, perchè spesso ci sta stretto?

un paio di citazioni su cui ho avuto piacere di riflettere:

"Il tempo a volte si muove in avanti e poi indietro e poi in avanti ancora e…non riesci a controllarlo."

"Avete mai confuso un sogno con la realtà? Avete mai rubato qualcosa quando tenevate la cassa, vi siete mai sentite tristi? Avete mai pensato che il vostro treno si muovesse, mentre invece eravate ferme? Forse ero solo pazza, o forse erano gli anni Sessanta. O forse ero solo una ragazza interrotta."

(il film è stato diretto da James Mangold nel 1999, interpretato da Winona Rider, Angelina Jolie, Clea DuVall, Brittany Murphy, Vanessa Redgrave, Whoopi Goldberg, Jared Leto)

Dopo una overdose di cinema indipendente americano fatto di storie tristi e negative, questo gioiello indipendente americano, pulisce un po’ il grigiore accumulato fin’ora.
Il film in questione scivola delicato e si insinua dolcemente malgrado alcune scene possano turbare se girate magari da altri registi, ma Miranda July (il suo sito) fa sorridere senza ammiccamenti o complicità malate: cosa pensare del ragazzino che chatta usando un linguaggio fetish piuttosto ardito anche per un adulto, cosa pensare dell’iniziazione alla fellatio del suo fratello maggiore, cosa pensare delle provocazioni adolescenziali di una coppia di amiche nei confronti di un "perverso ma buono" vicino di casa, cosa pensare dell’incontro al buio fra la chatter e il ragazzino di 6 anni che si risolve in un bacio materno fra i due…..
Prese a se queste, ed altre scene, potrebbero condire un film alla American Pie o peggio.

Qui invece raggiungono una leggerezza inaspettata e struggente.
Il cast intero dimostra di assecondare completamente lo stile della regista che si ritaglia anche un ruolo da protagonista semplicemente formidabile, qualcosa che ricorda la vaghezza e l’ingenuità di Amelie trasposta nella provincia americana non priprio colorata come la Parigi di Jeunet.
La costruzione delle dinamiche fra i protagonisti permette di seguire facilmente le storie parallele senza perdersi ed avendo sempre ben chiaro il filo del discorso malgrado un livello surreale piuttosto elevato.
La colonna sonora accompagna lo svolgimento della storia cogliendo melodicamente tutti i momenti più intensi i primi e primissimi piani degli interpreti, lasciando un senso ipnotico di sogno perenne per tutta la durata del film.

Molto bella la sequenza della passeggiata fra Miranda July e John Hawkes alla fine del suo turno di lavoro. Un incontro surreale dove il percorso verso la loro macchina viene metaforizzato come un percorso di una coppia, da vedere ed ascoltare più che spiegare

Mi viene in mente di fare un paragone con i Tenenbaum di Anderson, magari qui si tratta di situazioni meno borghesi, ma il clima borderline di ogni singolo protagonista, la struttura surreale delle storie e le interazioni fra i personaggi, richiamano molto lo stile di Anderson pur non usando la voce fuori campo e scenografie ed ambientazioni esteticamente molto marcate. Qui la provincia americana è semplicemente ripresa così com’è, senza inquinamenti sterotipati o marcati esageratamente: la casa rosa, i vialetti alberati, le case incasinate, e poco altro viene fotografato senza filtri badando comunque a rendere protagonisti piuttosto che gli ambienti (non si capisce per nulla in che tipo di casa abita la protagonista, ma l’unico dettaglio che si vede la rende piuttosto bizzarra).

Vedendo questo film posso dire che la poesia e la leggerezza non sono stati dimenticati e il desiderio di fare storie delicate senza sbraiti è ben soddisfatto con questo film….
L’ultima scena è un regalo all’innocenza e alla magia dei bambini: il più piccolo del cast vive una magia ticchettando su un palo di ferro una monetina "tanto per far passare il tempo"…. anche questa da vedere più che spiegare

Gustati il sito del film, essenziale e molto in linea con il film stesso, (lascia l’audio acceso):
Me and You and Everyone We Know

Aggiornamento:
La colonna sonora è stata realizzata da Michael Andrews già autore delle musiche per Donnie Darko e Orange County (con un istrionico e sballato Jack Black).
Ha prodotto anche Metric’s "Old World Underground" e Inara George’s "All Rise".

La scheda del film da IMDB:
Me and you and everyone we know

“Conosci la storia di quel tale che si butta da un palazzo di cinquanta piani? Ad ogni piano, mentre cade, continua a dirsi: fin qui è andata, fin qui è andata bene, fin qui è andata bene. Questo, per dire che il problema non è la caduta, ma l’atterraggio…”

Di Mathieu Kassovitz



Da Cinema del silenzio

da Tempi Moderni

da Parigi e dintorni
qualche blog delle banlieue francesi:
http://www.blog-art.net/tags/banlieue
http://reportages.blogs.liberation.fr/aulnay/
http://phnk.com/blog/

.. ma non basta ancora per coglierne le molteplici sfaccettature.
Piombato nel panorama delle mie visioni cinematografiche un po’ per caso con Ferro 3, il regista coreano ha fatto breccia nei miei gusti.
Ho avuto modo di vedere di recente "L’arco" e "La samaritana", prima di questi ho visto "Primavera, estate, autunno, inverno.. e ancora primavera"
L’impatto iniziale ? stato quasi puramente visivo. Le sue inquadrature sono disegnate come tele pittoriche e regalano evocazioni anche nella loro staticit

C’? poi l’espressione dei volti degli attori che il regista sceglie e riesce a trovare sempre adatti al suo immaginario filmico.
Ma quello che fa da padrone ? il silenzio, qualcosa che enfatizza il simbolismo dei suoi fotogrammi. Un silenzio che, superando spesso anche la colonna sonora, porta ad interiorizzare maggiormente la visione dei suoi film. Film intrisi di simbologie non facili da cogliere ma che permettono vari livelli di lettura e di interpretazione. Qui st? la sua genialit?, la possibilit? che ogni spettatore abbia una sensazione ed una interpretazione differente a seconda del percorso che esso affronta durante la visione del film.
Ferro 3 l’ho assimilato in tempi diversi e a vari livelli, quello principale ? stato quello prettamente visivo a partire dalla straordinaria foto della locandina.
Ma vorrei rimanere generico per spiegare come il mio percorso di avvicinamento al regista non mi ? semplice.
La cultura orientale, che emerge dai suoi film, non ? la cultura occidentale, ? assodato. Questo mi pone in un piano tale da apprezzare la sua cinematografia in maniera limitata, questo sinceramente non mi mette a disagio perch? quel poco che riesco a cogliere ? gi? molto rispetto alla mia capacit? di cogliere.
Metafore e simbologie mi han portato a considerare ogni attore come una figura puramente simbolica e poco fisica anche se poi la fisicit? dei suoi personaggi riporta sempre e comunque ad una dimensione umana dei suoi racconti.
Dei sogni, visioni surreali che parlano attraverso le immagini e le brevissime citazioni che fanno da apertura o chiusura dei suoi film.
Tutto ? reso essenziale, minimale asciutto e senza elementi che possono distrarre e l’attenzione ? universalmente focalizzata sul topic della sua storia, sia che sia un attore o un oggetto o una particolare vicenda.
Oltre che imparare a capire il suo cinema, ho acquisito elementi ulteriori per accrescere il mio senso critico cinematografico.
Gi? mi dava fastidio da tempo ma ora la cosa ? proprio quasi insopportabile, l’uso della "spiegazione" che viene fatto scientificamente in molto cinema americano, quello che mi fa pensare allo spettatore attonito che ha bisogno di essere coccolato ed assecondato se perde il filo del racconto…
Non mi piace il modo barocco di spiegare le trame e le vicende, le scene risolutrici dove le matasse si sbrogliano e all’uscita della sala uno si sente svuotato e non ha il bench? minimo germoglio di senso riflessivo sul film appena visto.
Amo invece le cose sospese che costringono un pensiero, un analisi anche dopo la visione del film, quando passeggio per il corso e ripercorro mentalmente pezzi del film, salgo in macchina e comincio a metabolizzare la storia, percorro la strada di casa alimentando le mie cellule celebrali con i piccoli e sostanziosi pasti del ristorante "Il senso critico" che grazie ad autori come Kim Ki-Duk comincia a fare affari con me

L’infelice titolo italiano (L’amore non basta mai) non rende giustizia a questo esordio registico di altissimo livello.
Una giovane ragazza che vive e lavora a Stoccolma, ritorna in un paese di campagna (Masjävlar) per festeggiare il compleanno del padre. Qui incontra il mal di vivere delle sorelle e di alcuni abitanti del paese in un crescendo di emozioni e crisi interiori.
Il film ? ben interpretato da un gruppo di attori ben affiatati e diretti dalla regista alla sua opera prima. Il tocco lieve della regia non ci fa accorgere quanto invece il colpo affonda nella sensibilit? dello spettatore, il sorriso di alcune scene lascia il posto all’intensit? emotiva che via via cresce con il malessere della protagonista che vorrebbe confessare il suo stato d’animo e una vicenda personale particolare alle sorelle. I freddi paesaggi norvegesi e la colonna sonora quasi country sono un contorno che aiuta una sorta di abbraccio emotivo che ho desiderato dare alle protagoniste di questa intensa storia comune…

qualche link utile:
la scheda su IMDB
alcune recensioni da cinebloggers.splinder.com
su MyMovies
una breve biografia su Sofia Helin
e su  Maria Blom